Nella seconda metà del XIX secolo ci fu un'ondata di poesia lirica russa. Solo l'elenco dei nomi più famosi dei poeti dice molto: Apollon Nikolaevich Maikov (1821-1897), Apollon Alexandrovich Grigoriev (1882-1864), Yakov Petrovich Polonsky (1819-1898), Ivan Savich Nikitin (1824-1861), Alexei Nikolaevich Apukhtin ( 1840-1893), Konstantin Konstantinovich Sluchevsky (1837-1904), Semyon Yakovlevich Nadson (1862-1887), Konstantin Mikhailovich Fofanov (1862-1911), Fedor Ivanovich Tyutchev (1803-1873), Alexei Konstantinovich Tolstoy (1817 -1875), Afanasy Afanasyevich Fet (1820-1892), Nikolai Alekseevich Nekrasov (1821-1877/78).

Sfortunatamente, il trionfo della poesia fu di breve durata. Nella letteratura russa si sta sviluppando la prosa, in particolare le grandi forme epiche. Il trionfo della prosa si è rivelato più duraturo ed è associato ai nomi di I. Turgenev, F. Dostoevsky, L. Tolstoy. Eppure la poesia della seconda metà XIX secolo ha avuto un ruolo enorme nello sviluppo della letteratura e della cultura russa in generale. La poesia era un sistema poliedrico in cui c'erano varie forme di manifestazione dell '"io" lirico. Per capire questo "io" e il lettore deve avere cuore aperto e anima. N.V. Gogol ha osservato: "Leggere correttamente un'opera lirica non è affatto una sciocchezza".

È importante ricordare che la poesia si è sviluppata in due direzioni: quella di Pushkin e quella di Gogol. I romantici del XIX secolo (in particolare A.S. Pushkin) proclamarono la sua indipendenza dalle autorità e dal popolo, consideravano il poeta un creatore ispirato da Dio. Il programma per loro era una poesia di A.S. Pushkin "Il poeta e la folla". Lo slogan sono le parole finali "Non per l'eccitazione mondana, / Non per interesse personale, non per battaglie, / Siamo nati per ispirazione, / Per dolci suoni e preghiere". Le idee dei romantici dell'inizio del secolo furono riprese dai romantici del secondo metà del XIX secolo e ha confermato la teoria dell '"arte pura". Le principali disposizioni dell '"arte pura" possono essere formulate come segue: l'arte non dovrebbe rappresentare la realtà, svolgere un ruolo sociale. Lo scopo dell'arte è creare bello, ad es. mondo poetico. L'arte dovrebbe esistere per l'élite.

Il punto di vista opposto sull'arte della direzione civile è stato sostanziato da N.V. Gogol nella poesia "Dead Souls" (l'inizio del settimo capitolo). Ha paragonato il creatore dell '"arte per l'arte" e lo scrittore-denunciatore. I principi della direzione "civile" nella poesia della seconda metà del XIX secolo sono implementati in modo più coerente e vivido nella poesia di N.A. Nekrasov.

Gogol ha proclamato e incarnato l'idea che la poesia dovrebbe servire il popolo. Nekrasov ha reso il contadino il personaggio principale della poesia e la lotta per la sua felicità - il pathos del suo lavoro. Le idee di "arte pura" sono alla base della visione del mondo e del sistema artistico di A.A. feta. Dal punto di vista della storia della poesia, le tendenze Pushkin e Gogol hanno arricchito la letteratura, la cultura, la poesia del XIX secolo e hanno preparato molti fenomeni della vita culturale della Russia.

I poeti della seconda metà del XIX secolo si rivelarono ricettivi alla vita, all'atmosfera spirituale della società russa. Hanno continuato e sviluppato le tradizioni della scuola poetica russa del XVIII e dell'inizio del XIX secolo. Allo stesso tempo, i poeti cercavano un nuovo linguaggio poetico, forme originali della sua espressione. Erano preoccupati per questioni di identità nazionale; rapporto tra bene e male; morte e immortalità; generosità spirituale delle persone. Una caratteristica della poesia russa del XIX secolo è la magia del suono e della parola. I. Nikitin trasmette sfumature sottili colori, forme e suoni. I testi del paesaggio si stanno sviluppando intensamente (A. Maikov, "Landscape"; I. Koltsov, "South and North"; K. Sluchevsky, "Oh, non rimproverarmi per il fatto che ho vissuto senza meta ...", ecc.) .

Il carattere della canzone, il folklore, l'antichità russa, le bellezze della natura domestica, l'originalità del carattere nazionale russo divennero la fonte della poesia russa. Alexander Blok ha definito la poesia di A. Grigoriev "The Gypsy Hungarian Woman" "le uniche perle del suo genere nella poesia russa". La natura "chitarristica" della poesia, messa in musica, ne fece una storia d'amore popolare. Molte poesie di Y. Polonsky, "The Song of a Gypsy" (arrangiate su musica da P.I. Tchaikovsky) divennero romanzi e canzoni popolari. Romanzi famosi erano le poesie di A. Apukhtin, messe in musica, "A Pair of Bays", "Crazy Nights, Sleepless Nights ..."; S. Ya. Nadson "All'ombra di un giardino pensoso...".

Nella seconda metà del XIX secolo, la poesia russa si è gradualmente spostata verso il modernismo. Tale era il movimento nella letteratura mondiale, specialmente nella poesia francese. Baudelaire, Rimbaud, Verlaine: i simbolisti francesi erano contemporanei di N. Nekrasov, defunto A.A. Fet, V. Soloviev. I precursori del modernismo in Russia erano principalmente F.I. Tyutchev, AA Fet.

Come il ricercatore V.S. Babaevsky: “La poesia russa del XIX secolo, nel suo insieme, con tutta la sua diversità strutturale e cronologica, manifestazione dello spirito del popolo, non rientra strettamente nei confini del secolo. L'ultimo decennio, il 1890, appartiene già nella sua essenza al modernismo. Possiamo dire che per la poesia russa il XX secolo è iniziato nel 1892. Poesia K.M. Fofanova e S.Ya. Nadson ha collegato due secoli di poesia russa "d'oro" e "d'argento".

La letteratura della seconda metà del XIX secolo ha svolto un ruolo importante vita pubblica Paesi. La maggior parte dei critici e dei lettori moderni ne è convinta. A quel tempo, la lettura non era intrattenimento, ma modi per conoscere la realtà circostante. Per lo scrittore, la creatività stessa è diventata un importante atto di servizio civile alla società, poiché credeva sinceramente nel potere della parola creativa, nella probabilità che un libro potesse influenzare la mente e l'anima di una persona in modo che cambiasse per il meglio.

Opposizione in letteratura

Come notano i ricercatori moderni, fu proprio a causa di questa convinzione nella letteratura della seconda metà del XIX secolo che nacque il pathos civico della lotta per qualche idea che potesse svolgere un ruolo importante nella trasformazione del Paese, inviando l'intero Paese lungo una strada o l'altra. L'Ottocento è stato il secolo di massimo sviluppo del pensiero critico domestico. Pertanto, i discorsi sulla stampa dei critici dell'epoca sono entrati negli annali della cultura russa.

Un noto confronto emerso nella storia della letteratura a metà del XIX secolo è emerso tra gli occidentali e gli slavofili. Questi movimenti sociali sono sorti in Russia già negli anni '40 del XIX secolo. Gli occidentali sostenevano che iniziassero le riforme di Pietro I vero sviluppo Russia, e in futuro è necessario seguire questo percorso storico. Allo stesso tempo, trattavano con disprezzo l'intera Rus' pre-petrina, rilevando l'assenza di una cultura e di una storia degne di rispetto. Gli slavofili sostenevano lo sviluppo indipendente della Russia, indipendentemente dall'Occidente.

Proprio in quel momento, un movimento molto radicale divenne popolare tra gli occidentali, basato sugli insegnamenti di utopisti con un pregiudizio socialista, in particolare Fourier e Saint-Simon. L'ala più radicale di questo movimento ha visto la rivoluzione come l'unico modo per cambiare qualcosa nello stato.

Gli slavofili, a loro volta, hanno insistito sul fatto che la storia della Russia non è meno ricca di quella dell'Occidente. Secondo loro, la civiltà occidentale soffriva di individualismo e incredulità, essendo diventata disillusa dai valori spirituali.

Il confronto tra occidentalisti e slavofili è stato osservato anche nella letteratura russa della seconda metà del XIX secolo, e soprattutto nella critica a Gogol. Gli occidentali consideravano questo scrittore il fondatore della tendenza socio-critica nella letteratura russa, mentre gli slavofili insistevano sulla pienezza epica del poema "Dead Souls" e sul suo pathos profetico. Ricorda che gli articoli critici sono stati riprodotti grande ruolo nella letteratura domestica della seconda metà del XIX secolo.

"Naturalisti"

Negli anni Quaranta dell'Ottocento apparve un'intera galassia di scrittori che si radunarono attorno al critico letterario Belinsky. Questo gruppo di scrittori cominciò a essere chiamato rappresentanti della "scuola naturale".

Nella letteratura della seconda metà del XIX secolo erano molto popolari. Loro personaggio principale- un rappresentante della classe svantaggiata. Questi sono artigiani, bidelli, mendicanti, contadini. Gli scrittori hanno cercato di dare loro l'opportunità di parlare, di mostrare i loro costumi e il loro modo di vivere, riflettendo attraverso di loro tutta la Russia da una prospettiva speciale.

Il più popolare tra questi è il genere, che descrive i diversi strati della società con rigore scientifico. Rappresentanti eccezionali"scuola naturale" - Nekrasov, Grigorovich, Turgenev, Reshetnikov, Uspensky.

Democratici Rivoluzionari

Entro il 1860, il confronto tra occidentali e slavofili stava fallendo. Ma le controversie tra rappresentanti dell'intellighenzia continuano. Le città, l'industria si stanno sviluppando rapidamente, la storia sta cambiando. In questo momento, persone di vari strati sociali vengono alla letteratura della seconda metà del XIX secolo. Se prima la scrittura era la sorte della nobiltà, ora mercanti, sacerdoti, filistei, funzionari e persino contadini prendono in mano la penna.

Nella letteratura e nella critica vengono sviluppate le idee stabilite da Belinsky, gli autori pongono taglienti domande sociali ai lettori.

Chernyshevsky pone le basi filosofiche nella sua tesi di master.

"Critica estetica"

Nella seconda metà del XIX secolo, la direzione della "critica estetica" ricevette uno sviluppo speciale in letteratura. Botkin, Druzhinin, Annenkov non accettano la didattica, proclamando il valore intrinseco della creatività, così come il suo distacco dai problemi sociali.

L '"arte pura" dovrebbe risolvere esclusivamente problemi estetici, i rappresentanti della "critica organica" sono giunti a tali conclusioni. Nei suoi principi, sviluppati da Strakhov e Grigoriev, la vera arte è diventata il frutto non solo della mente, ma anche dell'anima dell'artista.

groundmen

I coltivatori del suolo hanno guadagnato una grande popolarità durante questo periodo. Dostoevskij, Grigoriev, Danilevskij, Strakhov si includevano tra loro. Hanno sviluppato le idee in modo slavofilo, avvertendo allo stesso tempo di lasciarsi trasportare troppo dalle idee sociali, di staccarsi dalla tradizione, dalla realtà, dalla storia e dal popolo.

Hanno cercato di entrare nella vita persone normali, derivato principi generali per il massimo sviluppo organico dello Stato. Nelle riviste Epoch e Vremya criticavano il razionalismo dei loro avversari, che, a loro avviso, erano troppo rivoluzionari.

Nichilismo

Una delle caratteristiche della letteratura della seconda metà del XIX secolo era il nichilismo. In esso, gli scienziati del suolo hanno visto una delle principali minacce alla realtà reale. Il nichilismo era molto popolare tra le diverse sezioni della società russa. Si esprimeva nella negazione delle norme di comportamento accettate, dei valori culturali e dei leader riconosciuti. Allo stesso tempo, i principi morali furono sostituiti dai concetti del proprio piacere e beneficio.

L'opera più sorprendente di questa tendenza è il romanzo di Turgenev "Fathers and Sons", scritto nel 1861. Il suo protagonista Bazàrov nega l'amore, l'arte e la compassione. Erano ammirati da Pisarev, che era uno dei principali ideologi del nichilismo.

Genere del romanzo

Ruolo importante nella letteratura russa di questo periodo è occupato dal romanzo. Fu nella seconda metà del XIX secolo che l'epopea Guerra e pace di Leo Tolstoy, il romanzo politico di Chernyshevsky Cosa fare? romanzo psicologico Dostoevskij "Delitto e castigo", il romanzo sociale "Lord Golovlev" di Saltykov-Shchedrin.

Il più significativo è stato il lavoro di Dostoevskij, che riflette l'epoca.

Poesia

Negli anni Cinquanta dell'Ottocento, la poesia fiorì dopo un breve oblio che seguì l'età d'oro di Pushkin e Lermontov. Polonsky, Fet, Maikov vengono alla ribalta.

Nella poesia, i poeti prestano maggiore attenzione all'arte popolare, alla storia e alla vita quotidiana. Diventa importante comprendere la storia russa nelle opere di Alexei Konstantinovich Tolstoy, Maikov, May. Sono i poemi epici, le leggende popolari e le vecchie canzoni che determinano lo stile degli autori.

Negli anni '50 e '60 il lavoro dei poeti civili divenne popolare. Le poesie di Minaev, Mikhailov, Kurochkin sono associate a idee democratiche rivoluzionarie. L'autorità principale per i poeti di questa direzione è Nikolai Nekrasov.

Alla fine del XIX secolo, i poeti contadini divennero popolari. Tra loro ci sono Trefolev, Surikov, Drozhzhin. Continua le tradizioni di Nekrasov e Koltsov nel suo lavoro.

Drammaturgia

La seconda metà del XIX secolo è il periodo dello sviluppo della drammaturgia nazionale e originale. Gli autori delle commedie usano attivamente il folklore, prestano attenzione alla vita contadina e mercantile, alla storia nazionale e alla lingua parlata dalla gente. Spesso puoi trovare opere dedicate a questioni sociali e morali, in cui il romanticismo è combinato con il realismo. Questi drammaturghi includono Alexei Nikolaevich Tolstoy, Ostrovsky, Sukhovo-Kobylin.

La varietà di stili e forme artistiche nella drammaturgia ha portato all'emergere alla fine del secolo di vivide opere drammatiche di Cechov e Leo Tolstoy.

Influenza della letteratura straniera

La letteratura straniera della seconda metà del XIX secolo ha un'influenza notevole su scrittori e poeti russi.

In questo momento dentro letteratura straniera regnano i romanzi realistici. Prima di tutto, queste sono le opere di Balzac ("Shagreen Skin", "Parma Convent", "Eugenia Grande"), Charlotte Brontë ("Jane Eyre"), Thackeray ("Newcomes", "Vanity Fair", "History of Henry Esmond"), Flaubert ("Madame Bovary", "Education of the Senses", "Salambo", "Simple Soul").

In Inghilterra a quel tempo, Charles Dickens era considerato lo scrittore principale, le sue opere Oliver Twist, The Pickwick Papers, The Life and Adventures of Nicklas Nickleby, A Christmas Carol, Dombey and Son vengono lette anche in Russia.

Nella poesia europea, la raccolta di poesie di Charles Baudelaire "Flowers of Evil" diventa una vera rivelazione. Queste sono le opere del famoso simbolista europeo, che ha causato un'intera tempesta di malcontento e indignazione in Europa a causa di un largo numero linee oscene, il poeta è stato persino multato per aver violato le norme della moralità e della moralità, rendendo la raccolta di poesie una delle più apprezzate del decennio.

Cominciamo con alcune citazioni.

"Nella poesia e nella prosa poetica, nella musica, nella pittura, nella scultura, nell'architettura - la poesia è tutto ciò che in esse non è arte, non sforzo, cioè pensiero, sentimento, ideale".

“Il poeta crea con una parola, e questa parola creatrice, ispirata da un'idea che possedeva potentemente l'anima del poeta, passando rapidamente in un'altra anima, produce in essa la stessa ispirazione e altrettanto potentemente la abbraccia; questa azione non è né mentale né morale: è semplicemente potere, che non possiamo respingere con la forza di volontà o con la forza della ragione. La poesia, agendo sull'anima, non le dà nulla di definito: non è né l'acquisizione di qualche idea nuova, elaborata logicamente, né l'eccitazione del sentimento morale, né la sua affermazione mediante una regola positiva; NO! - questa è un'azione segreta, onnicomprensiva, profonda di franca bellezza, che abbraccia tutta l'anima e lascia in essa tracce indelebili, benefiche o distruttive, a seconda della proprietà opera d'arte, o meglio, a seconda dello spirito dell'artista stesso.

Se questa è l'azione della poesia, allora il potere di produrla, dato al poeta, non deve essere altro che una chiamata di Dio, è, per così dire, una chiamata del Creatore per entrare nella comunione della creazione con Lui . Il Creatore ha messo il suo spirito nella creazione: il poeta, suo messaggero, cerca, trova e rivela agli altri la presenza onnipresente dello spirito di Dio. Questo è il vero significato della sua vocazione, il suo grande dono, che è insieme una terribile tentazione, perché in questa forza per un volo alto sta il pericolo di una profonda caduta.

“Per scrivere poesie, una persona dotata di talento in letteratura deve solo abituarsi a poter usare, al posto di ciascuna, una parola vera e necessaria, a seconda del requisito della rima o della dimensione, altre dieci parole approssimativamente con lo stesso significato e poi abituare ogni frase, che per essere chiara ha una sola giusta collocazione di parole, da poter dire, con tutti i possibili movimenti di parole, in modo che assomigli a qualche senso; per saperne di più, guidato da parole che si incontrano per rima, per inventare parvenze di pensieri, sentimenti o immagini a queste parole, e quindi una persona del genere non può più smettere di fare poesie, a seconda della necessità, brevi o lunghe, religiose , amore o civile.

“Mi scusi, non è folle scervellarsi per giorni e giorni per comprimere a tutti i costi il ​​linguaggio umano vivo e naturale in versi misurati e in rima. È come se qualcuno pensasse all'improvviso di camminare solo su una corda stesa, e di accovacciarsi immancabilmente ad ogni passo.

Le prime due citazioni appartengono ai contemporanei e amici di Pushkin, i poeti Kuchelbecker e Zhukovsky; i secondi due - ai suoi tutt'altro che peggiori seguaci, gli scrittori di prosa Leo Tolstoy e Shchedrin. Come si vede, l'atteggiamento nei confronti della poesia espresso in queste citazioni è esattamente l'opposto: invece di ammirazione e ammirazione, c'è umiliazione e disprezzo per i poeti e per i loro “prodotti”.

Perché è nata questa mostruosa discordia nei pensieri? Sarebbe più facile rispondere a questa domanda in questo modo: l'era Pushkin era un'età alta e d'oro della poesia russa, poi fu sostituita dall'età della prosa e la poesia prima svanì sullo sfondo e poi cessò completamente di esistere. Tuttavia, anche i critici russi ne hanno scritto, a cominciare da Polevoy e Belinsky; Anche Leo Tolstoy ha affermato lo stesso con la sua caratteristica perentorietà: “Nella poesia russa<…>dopo Pushkin, Lermontov (Tyutchev di solito è dimenticato), la fama poetica passa prima ai dubbissimi poeti Maikov, Polonsky, Fet, poi a Nekrasov, completamente privo di dono poetico, poi al poeta artificiale e prosaico Alexei Tolstoy, poi al monotono e il debole Nadson, poi ad Apukhtin del tutto mediocre, e poi tutto si mette di mezzo, e ci sono poeti, si chiamano legione, che non sanno nemmeno cosa sia la poesia e cosa significhi cosa scrivono e perché scrivono.

Forse l'essere umano esperto è proprio qui, e la poesia russa dopo Pushkin e Lermontov dovrebbe essere dimenticata e cancellata dalla nostra memoria? Sembra, tuttavia, che qualcosa non quadra qui. Almeno, se ricordiamo le poesie di Tyutchev e Fet, Nekrasov e Maikov, Polonsky e Pleshcheev, familiari a tutti fin dall'infanzia ...

In effetti, dalla fine degli anni Trenta dell'Ottocento, le riviste iniziarono a pubblicare poesie sempre meno spesso. Sono sostituiti dalla giovane prosa russa e dalla critica letteraria dai denti aguzzi, che si sono impegnati a difendere i propri interessi fin dai primi passi. E lei, questa critica, era estremamente di parte, cioè difendeva apertamente sulle pagine della rivista gli interessi di certi forze politiche, che ebbe origine allora in Russia ed entrò in una battaglia che non si è fermata fino ad oggi. È chiaro che la poesia rivolta all'anima dell'uomo, all'eterno, era questa critica - indipendentemente dai suoi interessi politici - semplicemente al nulla. Ma con la prosa, soprattutto la prosa di festa, è molto più semplice: dopotutto descrive eventi terreni comprensibili e spiega in chiaro chi è la colpa, cosa fare, quando arriva il vero giorno ... Ma la poesia deve essere affrontata , interpretato, e per questo è meglio capire o semplicemente non accorgersene o ridicolizzare i clicker parodisti.

I prosatori attaccarono la poesia della metà del secolo non meno furiosamente dei critici. No, hanno accettato di considerare i loro amici intimi dei veri poeti, hanno costantemente ammirato le loro creazioni (soprattutto nella corrispondenza privata), ma li hanno messi accanto a Pushkin ...

Pertanto, l'anniversario di Pushkin si è trasformato, prima di tutto, in una celebrazione, nelle parole di Vyazemsky, scrittori di prosa. Anche Shchedrin ne era perplesso: "A quanto pare, l'intelligente Turgenev e il folle Dostoevskij sono riusciti a rubare la vacanza a Pushkin a loro favore". Altri scrittori di prosa lo trasformarono a loro vantaggio, cioè prosaico: basta aprire giornali e riviste di quegli anni o raccolte di anniversari per scoprire che ai poeti moderni semplicemente non era permesso partecipare alle celebrazioni.

Naturalmente, in primo piano tra gli scrittori di prosa russi politicizzati c'erano, come sempre, gli interessi di partito. Ma non meno apertamente espresso da tutti loro, in questo caso, indipendentemente dalle preferenze politiche, l'idea generale: Pushkin - grande poeta passato, oggi non ci sono poeti e non possono esserlo.

Certo, non senza la pressione di queste idee, i libri, ad esempio, Fet non si discostarono per molti anni, come, del resto, ai loro tempi, le poesie di Alexander Pushkin. Ma il "folk vitias" ha preferito non parlarne ad alta voce ...

Così si sviluppò una sorta di cospirazione contro la poesia russa, una cospirazione alla quale parteciparono politici, critici e scrittori di prosa. I poeti hanno continuato a creare, senza prestare attenzione al fatto che la cerchia dei loro lettori si stava restringendo, nonostante i risultati incondizionati. I poeti si sono fatti strada verso il pubblico in un modo diverso, principalmente attraverso il romanticismo sempre più popolare, attraverso semplici poesie rivolte ai bambini.

In effetti, dopo Pushkin, la poesia russa diventa molto più semplice e accessibile, quasi rifiuta di fare appello alle tradizioni antiche ed europee, si concentra consapevolmente sulla canzone popolare, parla di cose semplici che sono necessarie per tutti: natura e amore, le delizie della giovinezza e le esperienze della vecchiaia. L'alto pathos civile dell'era Pushkin suona sempre meno in esso, sempre più spesso - una voce sincera amata. La poesia della seconda metà del XIX secolo è più intima del suo predecessore di maggior successo.

Allo stesso tempo, non si discosta affatto dalla difesa dei valori umani superiori, anzi li difende coerentemente in contrasto con la prosa rivolta alla modernità attuale. Ciò è particolarmente evidente nei casi in cui lo stesso scrittore scrive sia in versi che in prosa. Ad esempio, Turgenev è l'autore di Fathers and Sons e Grey Morning. Oggi il romanzo sui nichilisti ha bisogno di essere spiegato in dettaglio e il romanzo classico non ha bisogno di commenti ...

I contemporanei, assorbiti dalle tempeste quotidiane, erano incomprensibili e selvagge Le parole di Fet, scritte sulla pubblicazione della raccolta di poesie di Tyutchev, quasi inosservate dalla critica: “Tutti gli esseri viventi sono costituiti da opposti; il momento della loro unione armoniosa è sfuggente e il lirismo, questo colore e apice della vita, nella sua essenza, rimarrà per sempre un mistero. L'attività lirica richiede anche qualità estremamente opposte, come il folle, cieco coraggio e la massima cautela (il miglior senso delle proporzioni). Chi non è in grado di lanciarsi dal settimo piano a testa in giù, con la convinzione incrollabile che si librerà nell'aria, non è un paroliere.

Alessandro
ARCANGELSO

Introduzione ai capitoli del nuovo libro di testo scolastico

Testi russi della seconda metà del XIX secolo

Poeti russi e l'era della prosa "sociale". I poeti russi dell'inizio del XIX secolo - da Zhukovsky e Batyushkov a Pushkin e Lermontov - hanno creato un nuovo linguaggio poetico in cui esprimere le esperienze più complesse, i pensieri più profondi sull'universo. Hanno introdotto nella poesia russa l'immagine di un eroe lirico che assomiglia e non assomiglia al poeta stesso. (Proprio come Karamzin ha introdotto nella prosa russa l'immagine di un narratore, la cui voce non si fonde con le voci dei personaggi e dell'autore stesso.)

I poeti della prima metà dell'Ottocento hanno rivisto il consueto sistema di generi. Preferivano un'elegia d'amore, una ballata romantica, alle odi "alte" e solenni; reinstillato nella letteratura nativa il gusto per la cultura popolare, per le canzoni e le fiabe russe; incarnava nel loro lavoro la coscienza contraddittoria e l'esperienza tragica di una persona contemporanea, un europeo russo. Hanno dominato l'esperienza del romanticismo mondiale e gradualmente l'hanno superata in molti modi.

Ma questo accade spesso in letteratura: avendo appena raggiunto l'apice artistico, la poesia russa ha cominciato a declinare bruscamente. È successo poco dopo la morte di Pushkin, e poi Baratynsky e Lermontov. Cioè, nei primi anni 1840. I poeti della vecchia generazione in qualche modo si sono stancati allo stesso tempo della turbolenta vita letteraria, hanno spento il processo attivo. Zhukovsky iniziò a tradurre voluminose opere epiche - sai della sua traduzione dell'Odissea di Omero. Pyotr Vyazemsky si è nascosto a lungo in un'ombra letteraria sorda, si è allontanato dagli affari poetici e solo nella vecchiaia il suo talento è sbocciato di nuovo, è tornato ai limiti della sua letteratura nativa. Vladimir Benediktov conobbe una popolarità immediata a metà degli anni '30 dell'Ottocento e altrettanto rapidamente passò di moda.

E molti giovani poeti lirici degli anni Quaranta dell'Ottocento, rimasti agli occhi del pubblico, sembrano aver dimenticato come si scrive. L'abilità più alta, la padronanza della tecnica del verso, che ai tempi di Pushkin era considerata la norma, qualcosa di scontato, è stata persa dall'oggi al domani dalla maggior parte dei poeti.

E non c'è nulla di sorprendente qui.

Nel vero inizio XIX secoli, la letteratura russa ha imparato a ritrarre il carattere umano nella sua individualità, originalità. Negli anni 1820 e 1830, gli scrittori russi iniziarono a collegare il destino dei loro eroi con un'era storica specifica, con quelle circostanze finanziarie quotidiane da cui spesso dipende il comportamento umano. E ora, nel 1840, affrontarono nuovi compiti sostanziali. Hanno cominciato a guardare la personalità umana attraverso il prisma delle relazioni sociali, a spiegare le azioni degli eroi con l'influenza dell '"ambiente", le hanno tolte per ragioni economiche e politiche.

I lettori degli anni Quaranta e Sessanta dell'Ottocento aspettavano proprio questi scritti sociali. E per risolvere tali problemi, la prosa epica e narrativa, un saggio fisiologico e un articolo giornalistico erano molto più adatti. Pertanto, le principali forze letterarie dell'epoca si concentrarono sulla prosaica "testa di ponte". I testi sembrano aver perso il loro contenuto serio per un po'. E questa mancanza di scopo interiore, mancanza di contenuto ha sanguinato la forma poetica. È così che si secca una pianta, che ha bloccato l'accesso ai succhi sotterranei vivificanti.

• Perché la prosa ha spinto la poesia ai margini del processo letterario negli anni Quaranta dell'Ottocento? Quali compiti sostanziali risolve la letteratura russa in questo decennio?

Pierre Jean Beranger

Come possiamo parlare di cose dolorose, della vita quotidiana "insignificante" per mezzo di testi, come esprimere nuove idee sociali? Negli anni Quaranta dell'Ottocento, anche la poesia europea decise le risposte a queste domande. Dopotutto, il passaggio dall'era del romanticismo all'era del naturalismo è avvenuto ovunque! Ma lì, soprattutto in Francia, si era già sviluppata una tradizione di liriche sociali e rivoluzionarie, si era sviluppato uno speciale linguaggio poetico. Questo linguaggio è stato "adattato" per conversazioni emotive - e allo stesso tempo sincere - su guai e dolori. società moderna, sul tragico destino del "piccolo" uomo. Cioè, il passaggio della poesia a una nuova qualità sociale è stato preparato in anticipo, correlato alla tradizione culturale.

Il più significativo dei poeti "rivoluzionari" europei, parolieri sociali, è giustamente considerato il francese Pierre Jean Beranger (1780-1857).

Cresciuto dal nonno come sarto, ha assistito da bambino agli sconvolgimenti della Rivoluzione francese. Il giovane Beranger credeva nei suoi ideali e - cosa non meno importante per la letteratura - ricordò per sempre il suono delle canzoni popolari rivoluzionarie cantate dalla folla ribelle. La più popolare di queste canzoni è ben nota anche a te: è "La Marseillaise"; il suo contenuto in qualche modo sanguinario - un appello alla violenza - era rivestito di una forma musicale solenne e leggera. Nelle canzoni dell'era rivoluzionaria venivano usate non solo succose espressioni popolari e battute, che sono inaccettabili nei testi "alti", ma venivano anche usate le possibilità della poesia epica: una breve trama dinamica, un ritornello costante (cioè un ripetizione del "ritornello" o di alcune linee chiave).

Da allora, nell'opera di Beranger ha prevalso il genere della canzone-poesia, stilizzata come una canzone popolare. O frivole, o satiriche (spesso dirette contro i costumi del sacerdozio cattolico), o politiche, pathos, queste canzoni erano apprezzate dal lettore generale. Fin dall'inizio è nata e si è affermata in loro l'immagine di un eroe lirico: un poeta popolare, un uomo dalla folla, un odiatore della ricchezza. (Naturalmente, nella vita reale, lo stesso Beranger non era così estraneo al denaro, come potrebbe sembrare leggendo le sue poesie.)

I poeti lirici russi iniziarono a tradurre Beranger a metà degli anni Trenta dell'Ottocento. Ma dal suo vasto e variegato lavoro, all'inizio furono scelte solo "canzoni" liriche, così simili alle esperienze familiari delle "canzoni popolari" stilizzate create dai poeti dell'inizio del secolo e dalla generazione Pushkin:

Verrà il momento: il tuo maggio diventerà verde;
Verrà il momento: lascerò questo mondo;
Il tuo ricciolo di noce diventerà bianco;
Lo scintillio degli occhi di agata svanirà.
("Mia vecchia signora." Tradotto da Viktor Teplyakov, 1836)

È naturale; siamo sempre interessati all'esperienza degli altri solo nella misura in cui aiuta ad affrontare i nostri problemi. E i compiti che la letteratura russa doveva affrontare a metà degli anni Trenta dell'Ottocento differivano da quelli che essa risolse nel travagliato decennio degli anni Quaranta dell'Ottocento. Non senza ragione, dopotutto, Heinrich Heine, poeta di elevato sentimento sociale, è stato tradotto selettivamente dagli scrittori russi della generazione Lermontov, prestando attenzione principalmente ai suoi testi filosofici, alla sua romantica ironia. E i poeti degli anni Quaranta dell'Ottocento stavano già prestando attenzione all'altro lato del talento di Heine: le sue poesie politiche, civiche e satiriche.

E ora, quando la prosa russa parlava in modo così acuto e così amaro del lato oscuro della vita, anche la poesia russa doveva padroneggiare la nuova esperienza artistica. Non esisteva una tradizione propria, quindi i parolieri degli anni Quaranta dell'Ottocento andarono volontariamente a studiare con Beranger.

Ma proprio come uno scolaro deve "maturare" ad argomenti seri che si studiano al liceo, così i poeti impiegano più di un anno per "maturare" a una traduzione di successo. Dopotutto, una poesia tradotta da una lingua straniera deve conservare il sapore dell '"estraneità" - e allo stesso tempo diventare "la propria", russa. Pertanto, solo a metà degli anni 1850, Beranger "parlò" in russo in modo naturale e naturale. E il merito principale in questo appartiene a Vasily Stepanovich Kurochkin (1831-1875), che nel 1858 pubblicò la raccolta "Songs of Beranger":

"Vivi, guarda!" - vecchio zio
Un intero secolo è pronto a ripetermi.
Come rido, guardando mio zio!
Sono una persona positiva.
spendo tutto
non posso -
Dal momento che non sono niente
Non ho.
................................
Dopotutto, in un piatto di una gastronomia
La capitale dei suoi antenati è seduta;
Conosco la cameriera dell'osteria:
Pieno e bevuto costantemente a credito.
spendo tutto
non posso -
Dal momento che non sono niente
Non ho.
("L'uomo positivo", 1858)

Certo, hai notato che questi versi non sono solo tradotti in russo. Qui una delle regole di una "buona" traduzione è volutamente violata: lo spirito francese è stato completamente eroso da Berenger, il traduttore ha strappato la poesia da un terreno culturale straniero, l'ha trapiantata completamente nel proprio. Questi versi suonano come se non fossero stati tradotti dal francese, ma scritti immediatamente in russo e da un poeta russo. Sono russificati, cioè usano espressioni che sono una volta per tutte assegnate alla vita quotidiana russa e sono del tutto inappropriate nel contesto francese. Ad esempio: "Ripeti ... un intero secolo", "pieno e ubriaco". Un'altra traduzione di Kurochkin è ancora più russificata: la poesia "Mr. Iskariots" (1861):

Signor Iskariotov -
Strano bonario:
Patriota dei patrioti
Bravo ragazzo, buon ragazzo,
Si diffonde come un gatto
Appoggiato come un serpente...
Perché queste persone
Siamo un po' diversi?
.............................................
Diligente lettore di tutte le riviste,
È capace e pronto
I liberali più zelanti
Spaventare con un flusso di parole.
Griderà forte: "Glasnost! Glasnost!
Conduttore di sante idee!"
Ma chi conosce le persone
Sussurri, avvertendo il pericolo:
Zitto, zitto, signori!
Signor Iskariotov,
Patriota dei patrioti
Venendo qui!

La poesia francese sul truffatore "Monsieur Iscariot" (Iscariot si chiamava Giuda, che denunciava Cristo) non è stata senza motivo trasformata in una satira russa sull'informatore "Mr. Iscariotov". Vasily Kurochkin strappò deliberatamente la poesia di Beranger dalle sue radici francesi e la trasformò in un fatto della cultura russa. Con l'aiuto di Beranger, ha creato il linguaggio della poesia sociale russa, padroneggiando nuove possibilità artistiche. E ci è riuscito abbastanza.

Ma il nocciolo della questione è che la fortuna sulla strada scelta ha dovuto aspettare troppo a lungo; i poeti domestici della seconda metà degli anni Cinquanta dell'Ottocento potevano già fare a meno di Beranger, affidandosi all'esperienza artistica di Nikolai Alekseevich Nekrasov. (Un capitolo a parte è dedicato alla biografia di Nekrasov e al mondo artistico nel libro di testo.) Fu Nekrasov che, per la prima volta, nell'ambito della tradizione culturale russa, riuscì a combinare l'incompatibile - rude "socialità" e il profondo lirismo , è stato lui a creare un nuovo linguaggio poetico, ha offerto nuovi ritmi alla sua poesia nativa che si adattassero a nuovi argomenti e nuove idee. La vera fama gli arrivò subito dopo che la poesia "Sto guidando lungo una strada buia di notte ..." fu pubblicata sulla rivista Sovremennik nel 1847:

Ricordi i tristi suoni delle trombe,
Spruzzi di pioggia, metà luce, metà oscurità?
Tuo figlio ha pianto e le mani fredde
Lo hai riscaldato con il tuo respiro ...

Tutti hanno letto queste righe toccanti - e hanno capito: eccola, una nuova parola in poesia, ha finalmente trovato l'unica vera forma per una storia sulle esperienze emotive associate alla povertà, al disordine, alla vita ...

E nessuno ha aiutato i poeti degli anni Quaranta dell'Ottocento a risolvere i problemi artistici e significativi che li hanno affrontati.

• Perché le traduzioni delle poesie del poeta francese Beranger sono state russificate da Kurochkin? Leggi di nuovo la citazione dal poema "Mr. Iscariot". Trova in esso esempi di espressioni che sono così connesse con la vita quotidiana del discorso russo da strappare il testo di Beranger dalla tradizione francese.

Testi di Alexei Pleshcheev

Tuttavia, anche negli anni Quaranta dell'Ottocento, alcuni poeti russi cercarono di parlare degli stessi gravi problemi sociali toccati dalla prosa sociale nella familiare lingua di Pushkin-Lermontov. Il più delle volte, questo non ha avuto molto successo. Anche il più dotato di loro.

Quindi, Alexei Nikolaevich Pleshcheev (1825-1893) scrisse spesso poesie civiche e politiche in questo decennio; ecco uno dei più famosi e popolari:

Inoltrare! senza paura e dubbio
In un'impresa valorosa, amici!
Alba della santa redenzione
Ho già visto in paradiso!

... Non creiamoci un idolo per noi stessi
Né in terra né in cielo;
Per tutti i doni e le benedizioni del mondo
Non cadremo nella polvere davanti a lui! ..

... Ascoltate bene, fratelli, la parola di un fratello,
Mentre siamo pieni di forza giovanile:
Avanti, avanti e senza ritorno
Non importa cosa ci promette il destino in lontananza!
("Avanti! Senza paura e dubbio ...", 1846)

Pleshcheev non leggeva affatto le sue idee ribelli dai libri. Ha partecipato seriamente al circolo rivoluzionario dei "petrasceviti" (di loro si parlerà di più nel capitolo del libro di testo dedicato a Fyodor Mikhailovich Dostoevskij). Nel 1849 il poeta fu arrestato e, insieme ad altri "petrasceviti" attivi, fu condannato a morte per "fucilazione". Dopo una tremenda attesa proprio sulla piazza dove doveva avvenire l'esecuzione, gli fu comunicato che la pena era stata commutata e che l'esecuzione era stata sostituita dal servizio militare. Pleshcheev, sopravvissuto a un terribile shock, fu esiliato negli Urali e solo nel 1859 gli fu permesso di tornare nella Russia centrale. (Prima a Mosca, poi a Pietroburgo.)

Quindi i pensieri espressi nella poesia, Pleshcheev hanno sofferto, sopportato e pagato con la propria vita. Ma una cosa - vera biografia e poche altre cose: la creatività. Nelle sue poesie civiche del 1840, Pleshcheev usava ancora il familiare giambico di quattro piedi, cancellato dall'uso frequente, e immagini poetiche generali.

Torna alla citazione dalla poesia “Avanti! senza timori e dubbi...”, rileggetelo.

Il poeta collega le idee che provenivano dalla Bibbia ("Non facciamoci un idolo... Proclamando gli insegnamenti dell'amore...") con idee alla moda sul progresso e il trionfo della scienza ("... E lasciamo perdere la bandiera della scienza // La nostra Unione si rafforza e cresce ..."). Ma non riesce a trovare altri modelli di ruolo, ad eccezione dell'ode "Libertà" di Pushkin, scritta quasi trent'anni prima. Forse i testi politici dei Decabristi - ma dopo tutto, è un momento completamente diverso nel cortile, la vita stessa parla una lingua diversa!

Pleshcheev si costringe letteralmente a rimare slogan rivoluzionari, il materiale artistico resiste a questo - e nella strofa finale Pleshcheev "spinge" il pensiero in una forma indisciplinata, paralizza il suono del verso. Presta attenzione a quale folla di suoni nelle ultime due righe! "Avanti, avanti e senza ritorno, // Qualunque cosa ci prometta la roccia in lontananza!" "VPRJ ... VPRJ ... BZVZVRT ... CHTBRKVD ..." Una serie continua di collisioni sonore, del tutto ingiustificate dal piano.

E il punto qui non è il talento individuale di Alexei Pleshcheev. Era solo un poeta di grande talento e molte delle sue poesie erano incluse nel fondo d'oro dei classici russi. Ma tale - contraddittoria, irregolare - era la situazione letteraria degli anni Quaranta dell'Ottocento nel suo insieme. Lo stato delle cose, come abbiamo già detto, cambierà solo negli anni Cinquanta e Sessanta dell'Ottocento, dopo che Nekrasov si troverà al centro del processo letterario. E poi Pleshcheev si allontanerà gradualmente dalla deliberata "progressività" (anche se occasionalmente ricorderà i suoi motivi politici preferiti), tornerà ai temi poetici tradizionali: la vita rurale, la natura.

Sono queste linee di Pleshcheev senza pretese e molto semplici che saranno incluse nei libri di testo scolastici e nelle antologie e saranno familiari a tutti i russi. Basta pronunciare la prima riga - e il resto verrà in mente da solo: "L'erba è verde, // Il sole splende, // Una rondine con la primavera // Nel baldacchino vola verso di noi" ("Paese Song", 1858, tradotto dal polacco). Oppure: "Un quadro noioso! // Nuvole senza fine, // La pioggia continua a scrosciare, // Pozzanghere sotto il portico..." (1860).

Tale era il destino letterario di quei poeti russi che poi cercarono di rivestire l'esperienza sociale accumulata dalla prosa nella materia sottile del verso. E i versi di altri parolieri, rimasti fedeli all'armonia di Pushkin, all'eleganza della "rifinitura", a volte acquisivano una sorta di carattere museale, commemorativo.

• Perché il talentuoso poeta Aleksey Pleshcheev raramente riusciva a creare poesie "civiche" negli anni Quaranta dell'Ottocento?

Nel 1842 fu pubblicata la prima raccolta di poesie del giovane poeta, figlio dell'accademico di pittura Apollon Nikolaevich Maikov (1821-1897). Fin dall'inizio si è dichiarato poeta classico "tradizionale"; quanto ai testi, lontani dalla quotidianità, dai dettagli momentanei di una vita fugace. Il genere preferito di Maykov sono i testi antologici. (Ricorda ancora: nell'antica Grecia, le raccolte delle migliori poesie esemplari erano chiamate un'antologia; la più famosa delle antiche antologie fu compilata dal poeta Meleagro nel I secolo a.C.) Cioè, Maikov creò poesie che stilizzavano la plastica mondo di antica proporzionalità, plasticità, armonia:

Armonie di versi misteri divini
Non pensare di sbrogliare dai libri dei saggi:
Sulla riva di acque sonnolente, vagando da solo, per caso,
Ascolta con la tua anima il mormorio delle canne,
parlo querce; il loro suono è straordinario
Senti e comprendi... In armonia con la poesia
Involontariamente dalle tue labbra ottave dimensionali
Verranno, sonori, come la musica dei boschi di querce.
("Ottave", 1841)

Questa poesia è stata scritta da un giovane autore, ma si sente subito: è già un vero maestro. Il ritmo esteso è chiaramente sostenuto, il suono del verso è subordinato alla struttura musicale. Se in un verso possiamo facilmente distinguere l'onomatopea del fruscio delle canne ("Ascolta con la tua anima il sussurro delle canne"), allora nel successivo sentiremo il mormorio della foresta ("Parlano le querce"). E nel finale, suoni morbidi e duri si riconcilieranno tra loro, si uniranno in una morbida armonia: "SIZED OTTAVS // Verranno, sonori, come la musica delle querce"...

Eppure, se ricordiamo le poesie antologiche di Pushkin - e confrontiamo con esse le righe che abbiamo appena letto, si rivelerà immediatamente una certa amorfa, letargia dei testi di Mike. Ecco come Pushkin descrisse la statua di Carskoe Selo nel 1830:

Dopo aver lasciato cadere l'urna con l'acqua, la fanciulla la ruppe sulla scogliera.
La fanciulla siede tristemente, oziosa con in mano un frammento.
Miracolo! l'acqua non si prosciugherà, sgorgando da un'urna rotta;
La Vergine, sopra l'eterno ruscello, siede per sempre triste.

Qui un'immagine dell'inarrestabile - e allo stesso tempo fermo! - movimenti. Qui la scala sonora è idealmente abbinata: il suono "u" ronza tristemente ("Urna con acqua ... sulla scogliera ... MIRACOLO ... dall'urna ... con un getto ..."), l'esplosivo il suono "Ch" è connesso con la "N" estesa e lui stesso comincia a suonare più viscoso: "tristemente ... eterno ... eternamente". E nella prima riga, una dura collisione di consonanti trasmette la sensazione di un colpo: "Ob UTeS la sua Vergine l'ha picchiata".

Ma questo non è abbastanza per Pushkin. Comunica al lettore un profondo senso di tristezza nascosta; l'eternità e la tristezza, la perfezione scultorea delle forme e l'essenza cupa della vita sono indissolubilmente legate a lui. Per amor di questo, sembra far oscillare il verso, ripetere: "... la fanciulla si è rotta ... la fanciulla siede ... la fanciulla ... siede tristemente". Le ripetizioni creano l'effetto di un movimento circolare e senza speranza.

E a Pushkin basta una parola inaspettata tra le espressioni scultoreamente lisce per ferire il lettore, graffiarlo, pungerlo un po'. Quella parola è "inattivo". Incontriamo l'espressione "un frammento vuoto" - e subito immaginiamo la confusione, la tristezza della "vergine": solo che l'urna era intatta, si poteva versare vino, acqua - e in un secondo divenne "oziosa ", inutile, e questo è già per sempre...

E con Maikov, con tutta la perfezione della sua prima poesia, tutto è così anche che l'occhio non ha nulla da catturare. I segreti della strofa sono "divini" (e cos'altro potrebbero essere?), le acque sono "assonnate", il suono delle foreste di querce è "straordinario"... E solo anni dopo nuove immagini appariranno nei testi di Mike, catturare l'attenzione del lettore con freschezza, inaspettato:

Primavera! il primo fotogramma è esposto -
E il rumore irruppe nella stanza,
E la benedizione del vicino tempio,
E i discorsi della gente, e il rumore della ruota...
("Primavera! Il primo fotogramma è esposto...", 1854).

Poesie paesaggistiche del defunto Maikov, prive di sfumature sociali, lancerà una sorta di sfida al tono generale dell'epoca, ai gusti poetici dominanti:

Il mio giardino appassisce ogni giorno;
È accartocciato, rotto e vuoto,
Anche se fiorisce rigogliosamente
Il nasturzio in esso è un cespuglio infuocato ...

Sono sconvolto! Mi annoia
E il sole d'autunno risplende
E la foglia che cade dalla betulla
E le cavallette tardive scrocchiano...
("Rondini", 1856)

Il tono generale della poesia è tenue, i colori sono privi di toni "urlanti", taglienti; ma nel profondo della poesia maturano immagini molto audaci. La metafora del magnifico appassimento della natura autunnale risale all '"Autunno" di Pushkin, ma quanto è inaspettata l'immagine di un cespuglio di nasturzio scarlatto fiammeggiante, quanto sono contraddittori i sentimenti dell'eroe lirico, che non è affatto contento di questo splendore, ma infastidito dalle "piccole cose" della quotidianità autunnale...

• Il compito di una maggiore complessità. Leggi le poesie di Yakov Polonsky, un altro paroliere russo che iniziò la sua carriera in letteratura negli anni Quaranta dell'Ottocento, ma rivelò il suo talento solo nel decennio successivo. Preparare una relazione sul suo mondo artistico, avvalendosi dei consigli dell'insegnante e della letteratura aggiuntiva.

Kozma Prutkov

Quando la poesia "originale" è in uno stato di crisi, alla ricerca dolorosa di nuove idee e nuove forme di espressione di sé, il genere della parodia di solito fiorisce. Cioè, una riproduzione comica delle peculiarità del modo di un particolare scrittore, poeta.

Alla fine degli anni 1840, Alexei Konstantinovich Tolstoy (1817-1875) e il suo cugini Alexey Mikhailovich (1821-1908) e Vladimir Mikhailovich (1830-1884) Zhemchuzhnikovs hanno inventato... un poeta. (A volte il terzo fratello, Alexander Mikhailovich, si univa al lavoro di parodia comune.) Cominciarono a scrivere poesie per conto dell'inesistente grafomane Kozma Prutkov, e in queste poesie parodiavano la burocrazia in tutte le sue manifestazioni. Che sia troppo raffinata, con il mignolo fermo, la poesia antologica o le liriche civiche troppo pretenziose.

Perché Prutkov ha inventato una biografia "di stato", lo ha trasformato in un funzionario, direttore della Camera dei saggi. Il quarto dei fratelli Zhemchuzhnikov, Lev Mikhailovich, ha dipinto un ritratto di Prutkov, combinando in esso i lineamenti martinet di un burocrate e la maschera di un poeta romantico. Questa è la veste letteraria di Kozma Prutkov, falso romantico e burocratico allo stesso tempo:

Quando incontri qualcuno tra la folla
Chi è nudo;
[Opzione: su quale cappotto. - Nota. K. Prutkova]
la cui fronte è più scura del nebbioso Kazbek,
Passo irregolare;
i cui capelli sono raccolti in disordine;
Chi, urla,
Tremando sempre in un attacco nervoso, -
Sappi: sono io!
("Il mio ritratto")

Sotto le spoglie di Kozma Prutkov, l'incompatibile era unito: l'immagine tardo romantica di uno "strano", poeta selvaggio, "che è nudo" e un funzionario, "il cui frac è addosso". Allo stesso modo, non gli interessa cosa e in che modo scrivere poesie - se ripetere le intonazioni di bravura di Vladimir Benediktov, o comporre con uno spirito antico, come Maikov o altri poeti "antologici" degli anni Quaranta dell'Ottocento:

Ti amo fanciulla quando sei d'oro
E inzuppato dal sole tieni in mano un limone,
E i giovani vedono un mento soffice
Tra foglie d'acanto e colonne bianche...
("Antico greco plastico")

Prutkov coglie al volo lo stile di numerosi imitatori di Heine, i creatori della poesia "sociale":

Sul mare, proprio all'avamposto,
Ho visto un grande giardino.
Lì crescono asparagi alti;
Il cavolo cresce modestamente lì.

C'è sempre un giardiniere la mattina
Pigramente passa tra le creste;
Indossa un grembiule disordinato;
Cupo il suo aspetto torbido.
............................................
L'altro giorno guida fino a lui
Il funzionario della troika è audace.
È in calde, alte galosce,
Sul collo c'è un occhialino d'oro.

"Dov'è tua figlia?" - chiede
Un funzionario, strizzando gli occhi in un occhialino,
Ma, guardando selvaggiamente, il giardiniere
Agitò la mano in risposta.

E il trio è saltato indietro,
Spazzare la rugiada dal cavolo...
Il giardiniere è cupo
E gli scava nel naso con il dito.
("Sul mare")

Ma se la "creatività" di Kozma Prutkov fosse solo una parodia e nient'altro, sarebbe morta insieme alla sua epoca. Ma è rimasto nella quotidianità del lettore, le opere di Prutkov sono state ristampate per un secolo e mezzo. Quindi hanno superato i confini del genere! Non c'è da stupirsi che i creatori di questa immagine collettiva abbiano messo in bocca al loro personaggio un rimprovero al feuilletonist del quotidiano Saint Petersburg News: "Feuilletonist, ho letto il tuo articolo ... Mi menzioni in esso; non è niente. Io non lode...

Stai dicendo che scrivo parodie? Niente affatto!.. Non scrivo affatto parodie! Non ho mai scritto parodie! Dove ti è venuta l'idea che scrivo parodie?! Ho appena analizzato nella mia mente la maggior parte dei poeti di successo; questa analisi mi ha portato a una sintesi; poiché i talenti, sparsi tra gli altri poeti separatamente, si sono rivelati combinati tutti in me come uno! .. "

Nella "creatività" di Prutkov i motivi alla moda della poesia russa degli anni Quaranta e Cinquanta dell'Ottocento sono infatti riassunti, sciolti, un'immagine divertente e a suo modo integrale di un romantico burocratico, un ispirato grafomane, un pomposo predicatore di banalità, l'autore del progetto "Sull'introduzione dell'unanimità in Russia". Ma allo stesso tempo Prutkov a volte, come per caso, parla con la verità; alcuni dei suoi aforismi sono entrati nel nostro linguaggio quotidiano, avendo perso il loro significato beffardo: "Se vuoi essere felice, sii felice", "Uno specialista è come un flusso: la sua pienezza è unilaterale". C'è qualcosa di molto vivo nella personalità letteraria di Prutkov. E quindi, non le parodie "di Prutkov" di singoli poeti (per la maggior parte - giustamente dimenticati), ma proprio la sua stessa immagine è entrata per sempre nella storia della letteratura russa.

• Cos'è una parodia? È possibile considerare che le poesie scritte per conto di Kozma Prutkov siano solo parodie? Perché la creatività parodistica fiorisce in quei momenti in cui la letteratura è in crisi?

Naturalmente, negli anni Cinquanta e Sessanta dell'Ottocento, più favorevoli alla poesia, i destini letterari si svilupparono diversamente; molti poeti russi, di cui siamo orgogliosi fino ad oggi, non hanno trovato riconoscimento da parte dei lettori. Quindi, due poesie dell'eccezionale critico letterario e teatrale Apollon Alexandrovich Grigoriev (1822-1864) - "Oh, parla almeno con me ..." e "Gypsy Hungarian" - hanno attirato l'attenzione generale solo perché hanno acquisito un secondo - musicale - vita, divennero romanzi popolari. Entrambi sono dedicati alla chitarra, alla passione gitana, al crollo fatale, all'ossessione amorosa:

Oh, parlami almeno
Amico a sette corde!
Il mio cuore è pieno di tanta tristezza
E la notte è così illuminata dalla luna!
("Oh, parla...", 1857)

Due chitarre che suonano
piagnucolò tristemente...
Dall'infanzia, una melodia memorabile,
Mio vecchio amico, vero?
.........................................
Sei tu, focoso baldoria,
Tu, malvagia fusione di tristezza
Con la voluttà di una bayadère -
Tu, il movente dell'ungherese!

Chibiryak, chibiryak, chibiryashechka,
Con gli occhi azzurri tu, mia cara!
.........
Lascia che faccia sempre più male
suoni ululanti,
Per rendere il cuore più veloce
Scoppiare di dolore!
("Zingaro ungherese", 1857)

Apollon Grigoriev sapeva in prima persona cosa significasse una "baldoria sfrenata"; è cresciuto nel patriarcale Zamoskvorechye, in una famiglia di nobili usciti dalla classe dei servi (il nonno di Grigoriev era un contadino), e in russo, senza ritegno, trattava tutto, sia lavoro che divertimento. Ha abbandonato una carriera redditizia, aveva sempre bisogno, beveva molto, si è seduto due volte in una buca dei debiti - e in realtà è morto durante la reclusione per debiti ...

Essendo una persona istruita in Europa, Grigoriev ha difeso le idee dell'identità nazionale in articoli critici. Ha definito i principi della sua critica organici, cioè connaturali all'arte, in contrasto con la critica "storica" ​​di Belinsky o con la critica "reale" di Dobrolyubov. I contemporanei leggono e discutono attivamente gli articoli di Grigoriev; tuttavia, durante la vita del poeta, le sue meravigliose poesie furono pubblicate come edizione separata solo una volta - e in una minuscola edizione, solo cinquanta copie ...

• Leggi "Gypsy Hungarian" di Apollon Grigoriev. Rivela le caratteristiche del romanzo nella costruzione del poema, mostra come l'inizio “musicale” sia contenuto nella sua stessa struttura.

Aleksej Tolstoj

Ma si è rivelato molto più efficace biografia letteraria Alexei Konstantinovich Tolstoy (1817-1875) - uno dei principali "creatori" di Kozma Prutkov. (Avete già letto alle elementari la sua meravigliosa poesia "Le mie campane, i fiori della steppa...", che, come molte delle poesie di Tolstoj, è diventata una popolare storia d'amore.)

Proveniente da un'antica famiglia, dopo aver trascorso la sua infanzia nella piccola tenuta russa di sua madre nella regione di Chernihiv, Alexei Konstantinovich, dieci anni, fu presentato al grande Goethe. E questa non è stata la prima "conoscenza letteraria" del giovane Alexei. Suo zio, Alexey Perovsky (pseudonimo - Anthony Pogorelsky), era un meraviglioso scrittore romantico, autore della fiaba "The Black Hen", che molti di voi hanno letto. Ha raccolto nella sua casa di San Pietroburgo tutto il colore della letteratura russa: Pushkin, Zhukovsky, Krylov, Gogol; il nipote fu ammesso a questo incontro di "immortali" - e per il resto della sua vita ricordò le loro conversazioni, osservazioni, osservazioni.

Non sorprende che all'età di sei anni avesse già iniziato a comporre; Lo stesso Zhukovsky ha approvato le sue prime poesie. E più tardi anche Tolstoj scrisse in prosa; nel suo romanzo storico Il principe d'argento (completato nel 1861), agiranno persone nobili e regneranno passioni autentiche; Inoltre, Alexei Konstantinovich non era minimamente imbarazzato dal fatto che i principi romantici di Walter Scott, che seguiva invariabilmente, fossero considerati da molti obsoleti. La verità non può diventare obsoleta, ed era al di sotto della sua dignità fare i conti con la moda letteraria.

Nel 1834 Alexei Konstantinovich entrò al servizio del sovrano nell'archivio di Mosca del Ministero degli Affari Esteri, studiò antichi manoscritti russi; poi ha prestato servizio nella missione russa a Francoforte sul Meno; infine, fu iscritto all'ufficio di Sua Maestà e divenne un vero cortigiano. Fu a corte che incontrò la sua futura moglie, Sofya Andreevna Miller (nata Bakhmetyeva), - si incontrarono a un ballo nell'inverno del 1850/51.

La carriera burocratica di Tolstoj si sviluppò con successo; sapeva mantenere l'indipendenza interiore, seguire i propri principi. Fu Tolstoj che aiutò a liberare dall'esilio in Asia centrale e dal servizio militare Taras Shevchenko, il grande poeta ucraino, autore del brillante poema "L'ampio Dnieper ruggisce e geme"; ha fatto di tutto affinché Ivan Sergeevich Turgenev fosse rilasciato dall'esilio a Spasskoe-Lutovinovo per un necrologio in memoria di Gogol; quando Alessandro II una volta chiese ad Alexei Konstantinovich: "Cosa si sta facendo nella letteratura russa?", rispose: "La letteratura russa si è addolorata per l'ingiusta condanna di Chernyshevsky".

Tuttavia, a metà degli anni Cinquanta dell'Ottocento, essendo riuscito a prendere parte alla guerra di Crimea, estremamente infruttuosa per la Russia, Tolstoj decise di ritirarsi, per liberarsi dal servizio che da tempo gli pesava. Ma solo nel 1861 Alessandro II concesse le sue dimissioni e Alexei Konstantinovich poté concentrarsi completamente sul lavoro letterario.

A questo punto, il suo mondo artistico era già completamente sviluppato. Poiché lo stesso Tolstoj si distingueva per l'integrità interiore, la rara salute mentale, così il suo eroe lirico è estraneo ai dubbi insolubili, alla malinconia; l'ideale russo di apertura, la purezza del sentimento gli è estremamente vicino:

Se ami, così senza ragione,
Se minacci, non è uno scherzo,
Se rimproveri, così avventatamente,
Se tagli, è così sciatto!

Se discuti, è così audace
Kohl per punire, quindi per la causa,
Se perdoni, quindi con tutto il tuo cuore,
Se c'è una festa, allora una festa è una montagna!

In questa otto righe, scritte nel 1850 o 1851, non c'è un solo epiteto: l'eroe lirico non ha bisogno di sfumature, cerca la certezza, la luminosità dei toni principali. Per lo stesso motivo Tolstoj evita la varietà nella struttura stessa del poema; il principio dell'unanimità (anafora) è usato in modo coerente, passa di riga in riga: "Kol ... così". Come se il poeta battesse energicamente la mano sul tavolo, battendo un ritmo chiaro...

Tolstoj non si unì mai a nessuno dei campi in guerra: occidentali e slavofili; era un uomo di cultura mondiale e allo stesso tempo portatore di una tradizione profondamente russa. Il suo ideale politico era la Repubblica di Novgorod, con la sua struttura democratica; credeva che le autorità domestiche un tempo seguissero i principi morali, ma nel mondo moderno li hanno persi, scambiati con interessi politici, ridotti a una meschina lotta di gruppi diversi. Ciò significa che il poeta non può essere adiacente a nessuna "piattaforma" ideologica. Così è il suo eroe lirico - "Due campi non sono un combattente, ma solo un ospite accidentale"; è libero da ogni tipo di obbligo "di partito".

Non per niente molte delle poesie di Tolstoj - come quelle di Grigoriev di cui abbiamo parlato - furono musicate, diventarono "vere" romanze e sono cantate ancora oggi:

Nel bel mezzo di un ballo rumoroso, per caso,
Nel tumulto del mondo,
Ti ho visto, ma il mistero
i tuoi lineamenti velati;

Guardavano solo occhi tristi
E la voce suonava così meravigliosa,
Come il suono di un flauto lontano,
Come le onde del mare.
...............................................
E purtroppo mi addormento così
E nei sogni dell'ignoto dormo...
Ti amo - non lo so
Ma penso di amarlo!
("In mezzo a un ballo rumoroso, per caso ...", 1851)

Preservando i tradizionali motivi romantici, Tolstoj li "raddrizzò" impercettibilmente, li semplificò deliberatamente. Ma non perché avesse paura di avvicinarsi all'abisso, di affrontare problemi insolubili, ma perché la sua natura sana era disgustata da ogni ambiguità, incertezza. Per lo stesso motivo, i suoi testi mancano di ironia romantica, con la sua tragedia interiore, l'angoscia; il suo posto è preso dall'umorismo: la risata libera di una persona allegra sull'imperfezione della vita, sull'impraticabilità di un sogno.

La più famosa poesia umoristica di Tolstoj - "La storia dello stato russo da Gostomysl a Timashev" ha una designazione di genere: "satira". Ma leggiamo questi versi, che espongono beffardamente i principali eventi della storia russa:

Ascolta ragazzi
Cosa ti dirà tuo nonno?
La nostra terra è ricca
Non c'è proprio ordine in esso.
.......................................
E sono diventati tutti sotto lo stendardo
E dicono: "Come possiamo essere?
Inviamo ai Varanghi:
Lascia che vengano a governare".

Qual è la cosa principale in queste battute divertenti? Una denuncia satirica, rabbiosa, caustica dei tradizionali difetti russi, o un profondo ghigno di un russo su se stesso, sulla sua amata storia, sull'immutabilità dei vizi domestici? Certo, il secondo; Non c'è da stupirsi che l'autore indossi la maschera di un vecchio burlone e paragoni i lettori a ragazzini! Alexei Tolstoy, infatti, non crea una satira omicida, ma una parodia triste e divertente. Parodia la forma della cronaca, l'immagine del cronista ("Raccolto da fili d'erba // Questa storia poco saggia // Sottile umile monaco // Servo di Dio Alessio"). Ma il soggetto principale della sua parodia è diverso, e quale - diremo più avanti.

Ci sono 83 strofe nel poema, e in un volume così breve Tolstoj riesce a inserire una storia parodia di tutti i principali eventi simbolici della storia russa, dalla chiamata dei Varanghi e il battesimo della Rus' fino al 1868, quando le poesie sono stati scritti:

Quando è entrato Vladimir
Al trono di tuo padre
......................................
Mandò a chiamare i sacerdoti
Ad Atene e Tsargrad,
I sacerdoti sono arrivati ​​a frotte
Battezzato e censurato

Canta dolcemente a se stessi
E riempi la loro borsa;
La terra, così com'è, è abbondante,
Semplicemente non c'è ordine.

Naturalmente, questo è seguito da una serie di conflitti principeschi: "I tartari l'hanno scoperto. // Beh, pensano, non aver paura! // Indossa calzoncini, // Siamo arrivati ​​​​in Rus' ... // Loro grida: "Rendiamo omaggio!" // (Anche se porti fuori i santi.) // C'è molta spazzatura qui // È arrivata in Rus'". Ma ancora non c'è ordine. Né i nuovi arrivati ​​​​occidentali, né i "sacerdoti" bizantini, né i tatari-mongoli - nessuno l'ha portato con sé, nessuno ha affrontato l'invariabile disordine russo. E qui, dal profondo della storia nazionale, arriva il suo "ordinatore":

Ivan Vasilievich il Terribile
Aveva un nome
Per essere serio
Persona solida.

I ricevimenti non sono dolci,
Ma la mente non è zoppa;
Tale ordine portato
Che rotolare una palla!

Pertanto, la visione personale - e molto seria - di Tolstoj dell'essenza della storia russa emerge attraverso la parodia. I suoi difetti sono la continuazione delle sue virtù; questo "disordine" lo distrugge - e, ahimè, permette alla Rus' di preservare la sua originalità. Non c'è niente di buono in questo, ma cosa si può fare ... Solo due sovrani sono riusciti a imporle "l'ordine": Ivan il Terribile e Pietro I. Ma a quale prezzo!

Lo zar Pietro amava l'ordine,
Quasi come Zar Ivan,
E non era neanche dolce.
A volte era ubriaco.

Disse: "Mi dispiace per te,
Perirai completamente;
Ma ho un bastone
E io sono tuo padre!"

Tolstoj non condanna Peter ("... non biasimo Peter: // Dai allo stomaco malato // Buono per il rabarbaro"), ma non accetta la sua eccessiva rigidità. Contenuti sempre più profondi sono immersi nel guscio leggero della parodia, la tristezza emerge attraverso l'umorismo. Sì, la Russia è malata, ma il trattamento potrebbe rivelarsi anche peggiore, e il risultato della "guarigione" è ancora di breve durata: "... Sebbene sia molto forte // Forse c'è stata un'accoglienza, // Ma ancora abbastanza forte // L'ordine è diventato // Ma il sonno ha colto la tomba // ​​Pietro nel fiore degli anni, // Guarda, la terra è abbondante, // Non c'è più ordine.

Il genere della satira ha lasciato il posto al genere della parodia, e la parodia si è impercettibilmente trasformata in un poema filosofico, seppur scritto in modo giocoso. Ma se una parodia può fare a meno di un contenuto positivo, senza un ideale, allora un poema filosofico non potrà mai farlo. Quindi, da qualche parte deve essere nascosta la risposta di Tolstoj alla domanda: cosa può ancora guarire la storia russa da una malattia secolare? Non i Varanghi, non Bisanzio, non un "bastone" - e allora? Forse la risposta nascosta all'ovvia domanda è contenuta in queste strofe:

Qual è la ragione di ciò
E dov'è la radice del male,
Caterina stessa
Impossibile ottenerlo.

"Madame, con lei è fantastico
L'ordine fiorirà
Le ha scritto educatamente
Voltaire e Diderot

Solo le persone hanno bisogno
di cui tu sei la madre,
Date piuttosto libertà
Vi diamo la libertà".

Ma Catherine ha paura della libertà, che potrebbe permettere alle persone di guarire se stesse: "... E ha subito attaccato // gli ucraini a terra".

La poesia si conclude con strofe sul contemporaneo di Tolstoj, il ministro dell'Interno Timashev, un severo sostenitore dell '"ordine". L'ordine in Rus' è stabilito come prima - con un bastone; Non è difficile indovinare cosa le aspetta.

• Qual è la differenza tra satira e umorismo? Perché il genere della parodia era così vicino ad Alexei Konstantinovich Tolstoy? Perché pensi che scelga una forma parodica per un poema filosofico sul destino della storia russa?

Poeti degli anni Settanta e Ottanta dell'Ottocento

Sai già che l'intera seconda metà del XIX secolo, dalla metà degli anni Cinquanta dell'Ottocento all'inizio degli anni Ottanta dell'Ottocento, passò sotto il segno di Nekrasov, che l'era parlava con la voce di Nekrasov. Nel prossimo capitolo del libro di testo, conoscerai in dettaglio il mondo artistico di Nekrasov, imparerai ad analizzare le sue poesie e poesie. Un po' più lontano, nella sua ombra pubblica, c'erano altri due grandi parolieri, Fyodor Tyutchev e Afanasy Fet. Hanno anche capitoli separati nel libro di testo. Nel frattempo, andiamo direttamente dal 1850 al 1870-1880, vediamo cosa è successo alla poesia russa dopo Nekrasov.

E le è successa quasi la stessa cosa che dopo Pushkin, dopo Lermontov, dopo la partenza di qualsiasi scrittore veramente su larga scala. La poesia russa era di nuovo confusa, non sapeva quale strada seguire. Alcuni parolieri hanno sviluppato motivazioni sociali e civiche. Ad esempio, Semyon Yakovlevich Nadson (1862-1887). Proprio come Vladimir Benediktov ha portato all'estremo i principi artistici dei testi romantici, così Nadson ha condensato al limite il pathos e lo stile dei testi civici del modello Nekrasov:

Amico mio, fratello mio, fratello stanco e sofferente,
Chiunque tu sia, non mollare.
Lascia che la menzogna e il male regnino sovrani
Sopra la terra bagnata di lacrime
Lascia che il santo ideale sia spezzato e profanato
E scorre sangue innocente,
Credi: verrà il tempo - e Baal perirà,
E l'amore tornerà sulla terra! ..

Le poesie di Nadson godettero di un'incredibile popolarità negli anni Ottanta dell'Ottocento, quasi come le poesie di Benediktov negli anni Trenta dell'Ottocento. Pleshcheev si è preso cura di lui; La raccolta di poesie di Nadson, pubblicata per la prima volta nel 1885, ha attraversato cinque edizioni a vita, l'Accademia delle scienze gli ha conferito il Premio Pushkin. Era chiamato il poeta della sofferenza, dell'angoscia civica. E quando, avendo vissuto solo venticinque anni, Nadson morì di consunzione, una folla di studenti accompagnò la sua bara fino al cimitero stesso ...

Ma passarono diversi anni e la gloria di Nadson iniziò a svanire. All'improvviso, in qualche modo si è scoperto da solo che era troppo moralista, troppo diretto, le sue immagini mancano di volume e profondità e molte delle sue poesie sono semplicemente imitative.

Perché questo non è stato notato durante la vita del poeta?

Questo a volte accade in letteratura: lo scrittore sembra cadere nel punto dolente della sua epoca, parla esattamente di ciò a cui pensano i suoi contemporanei in questo momento. E rispondono con tutto il cuore alla sua parola poetica e letteraria. C'è un effetto di risonanza, il suono dell'opera viene amplificato molte volte. E la domanda su quanto sia artistica questa parola, quanto sia originale, passa in secondo piano. E quando passa del tempo e sorgono altri problemi davanti alla società, allora vengono rivelate tutte le carenze artistiche nascoste, le "imperfezioni" creative.

In parte, questo vale anche per un altro poeta popolare degli anni 1870-1880: Alexei Nikolayevich Apukhtin (1840-1893). A differenza di Nadson, non proveniva da una famiglia burocratica e raznochinny, ma da una nobile famiglia benestante. La sua infanzia trascorse serena, nella tenuta paterna; ha studiato all'élite School of Law di San Pietroburgo. E ha continuato non la tradizione sociale e civica di Nekrasov, ma la linea di sviluppo della poesia russa che Maykov ha delineato ai suoi tempi.

Apukhtin trattava la poesia come pura arte, priva di tendenziosità, libera dal servizio pubblico, come se fosse distillata. Si è comportato di conseguenza: ha eluso con aria di sfida la partecipazione al processo letterario "professionale", potrebbe scomparire dal campo visivo delle riviste per un decennio, quindi ricominciare a stampare. I lettori, e soprattutto le lettrici, apprezzavano ancora Apukhtin; la sua intonazione gentile e spezzata, il rapporto interiore della sua poetica con le leggi di genere del romanzo - tutto questo risuonava nel cuore del lettore:

Notti folli, notti insonni
Discorso incoerente, occhi stanchi ...
Notti illuminate dall'ultimo fuoco,
Fiori morti autunnali in ritardo!
Anche se il tempo è una mano spietata
Mi ha mostrato cosa c'era di falso in te,
Tuttavia, volo da te con una memoria avida,
Alla ricerca dell'impossibile nel passato...

E poi, dopo un po ', i testi di Apukhta iniziarono a suonare sempre più ovattati, ovattati; il suo eccessivo sentimentalismo, la sua mancanza di reale profondità cominciarono a rivelarsi. Il posto di Nadson e Apukhtin è stato preso da nuovi poeti "alla moda" appartenenti alla prossima generazione letteraria: Konstantin Fofanov, Mirra Lokhvitskaya. L'hanno occupato - per poi, a loro volta, consegnarlo ad altri "interpreti" di un ruolo letterario già pronto.

Testi di Konstantin Sluchevsky

Ma negli anni 1880 e 1890 c'erano davvero grandi talenti nella poesia russa, che non solo risuonavano con l'epoca, ma la superavano, lavoravano per il futuro. Uno di loro è il raffinato paroliere Konstantin Konstantinovich Sluchevsky (1837-1904).

Nacque nell'anno della morte di Pushkin nella famiglia di un importante funzionario (suo padre, un senatore, morì nell'epidemia di colera del 1848 e sua madre divenne il capo dell'Istituto femminile Alexander-Mariinsky di Varsavia). Sluchevsky ha studiato al Primo Corpo dei Cadetti ed è stato persino elencato nel Libro d'oro dei laureati; poi ha servito brillantemente...

Coloro che lo circondavano consideravano sempre Sluchevsky una persona intera; la sua moderazione aristocratica, la sua rigida educazione hanno fuorviato coloro che lo circondavano. Perché nelle sue poesie è stato rivelato un mondo interiore completamente diverso, drammatico e spezzato, associato a un sentimento romantico della vita come regno della dualità:

Non vado mai da nessuna parte da solo
Noi due viviamo tra le persone:
Il primo sono io, quello che sono diventato in apparenza,
E l'altro - allora sono il mio sogno ...

Ma per il momento, quasi nessuno dell'entourage di Sluchevsky ha letto queste poesie, sono state pubblicate in pubblicazioni di terz'ordine. Ma nel 1860 Sovremennik aprì l'anno con una selezione delle poesie liriche di Sluchevsky, e poi il suo ciclo poetico apparve in Otechestvennye Zapiski. Il critico e poeta entusiasta Apollon Grigoriev dichiarò il nuovo poeta un genio, Ivan Turgenev (che in seguito avrebbe litigato con Sluchevsky e lo avrebbe parodiato nel romanzo "Fumo" con il nome di Vorosilov) concordò: "Sì, padre, questo è un grande futuro scrittore."

Il riconoscimento è stato stimolante, ma Sluchevsky è diventato un ostaggio della feroce lotta letteraria di quegli anni. Accettato in un "campo", fu subito respinto in un altro. L'ala radicalmente diversa degli editori di Sovremennik decise di scomunicare il poeta dalla rivista, nonostante la simpatia che lo stesso Nekrasov provava per il giovane paroliere. Dalle pagine di altre pubblicazioni democratiche rivoluzionarie, una grandine di ridicolo è caduta su Sluchevsky, è stato ritratto come un retrogrado, un uomo senza idee.

Il risultato ha superato le aspettative: pensando in categorie "obsolete" di nobile onore e dignità, Sluchevsky ha ritenuto che un ufficiale e un aristocratico non dovessero essere l'eroe dei feuilletons. E - si è ritirato per lasciare la Russia. Ha trascorso diversi anni all'Università di Parigi - alla Sorbona, a Berlino, all'Università di Lipsia, ha studiato scienze naturali, matematica. E a Heidelberg divenne dottore in filosofia.

Alla fine, nel 1866, tornò in Russia e ricominciò a fare carriera, già su un percorso civile. Cadde nel numero di stretti collaboratori della famiglia reale, divenne un ciambellano. Ma dallo shock inflittogli all'inizio del suo percorso letterario, non si riprese mai. E quindi ha costruito la sua biografia poetica come enfaticamente non letteraria, dilettantistica, non coinvolta nell'ambiente professionale. (In questo era vicino ad Apukhtin.)

Tra le poesie scritte da Sluchevsky negli anni '60 e '70 dell'Ottocento e non pubblicate, difficilmente troveremo poesie "programmatiche", di predicazione. La loro struttura artistica è decisamente irregolare e il loro stile è ovviamente eterogeneo. Sluchevsky è stato uno dei primi nella poesia russa che ha iniziato a usare non solo il linguaggio quotidiano e quotidiano, ma anche il lavoro d'ufficio: "Secondo la totalità dei fenomeni radianti ...", "L'alba è divampata in modo appropriato .. .". Ha sviluppato una poetica speciale di consonanze inesatte, rime spaiate:

Ho visto la mia sepoltura.
Alte candele bruciate
Il diacono insonne censurato,
E cantavano coristi rauchi.
................................................
Sorelle e fratelli tristi
(Come la natura ci è incomprensibile!)
Singhiozzato in un incontro gioioso
Con un quarto del reddito.
................................................
I lacchè pregavano fuori dalla porta,
Dire addio a un posto perduto
E in cucina, il cuoco troppo mangiato
giocherellare con la pasta lievitata...

In queste prime poesie si avverte chiaramente l'influenza dei testi amaramente sociali di Heinrich Heine; Come la maggior parte dei parolieri russi della seconda metà del XIX secolo, Sluchevsky cadde nel potente campo energetico di questo "ultimo romantico". Ma qui si nota già qualcos'altro: Sluchevsky ha una sua idea trasversale, la cui incarnazione richiede non una forma poetica armoniosa e perfetta, ma un verso rozzo, "incompiuto", spaiato, una sorta di rima "inciampante".

Questa è l'idea della frammentazione, della tragica disunione della vita umana, nello spazio in cui le anime, i pensieri, i cuori risuonano debolmente e sordi come spaiate rime in versi.

Forse il più caratteristico - e allo stesso tempo il più espressivo - è il poema di Sluchevsky "Un fulmine cadde nel torrente ...". Parla solo dell'impossibilità dell'incontro, dell'inevitabilità della sofferenza, dell'impossibilità dell'amore: "Un fulmine cadde nel ruscello. // L'acqua non divenne calda. // E che il ruscello fu trafitto fino in fondo, // / Non sente attraverso il fruscio dei getti ...<...>Non c'era altro modo: / E io perdonerò e tu perdonerai ". Non è senza ragione che un motivo cimiteriale appare costantemente nelle poesie di Sluchevsky, cupo come il vento notturno; non è senza motivo che appare un secondo piano nascosto attraverso i suoi schizzi sociali.Il piano è mistico.

Sluchevsky scrive costantemente di Mefistofele, che è penetrato nel mondo, del demone del male, la cui immagine raddoppiata e vaga lampeggia qui tutto il tempo. Una tale visione del mondo era allora caratteristica non solo di Sluchevsky; il suo eroe lirico non senza ragione ricorda gli eroi "sotterranei" di Dostoevskij. È solo che Sluchevsky è stato uno dei primi a cogliere e catturare nelle sue poesie quell'atteggiamento che avrebbe determinato molto nei testi russi - e in generale nella cultura russa - della fine del XIX secolo. Questo atteggiamento verrà poi chiamato decadenza, dal termine francese che significa decadenza, dolorosa crisi di coscienza. Il poeta vuole essere guarito da questa delusione - e non riesce a trovare guarigione in nulla: né nella vita sociale, né nelle riflessioni sulla vita eterna.

• Il compito di una maggiore complessità. Leggi la poesia di Sluchevsky: "Sono stanco nei campi, mi addormenterò profondamente, // Una volta al villaggio per il cibo. // Attraverso la finestra aperta posso vedere // E il nostro giardino e un pezzo di broccato // / Meravigliosa notte... L'aria è luminosa... // Com'è immobile e tranquillo! Mi addormenterò, amando // Tutto il mondo di Dio... Ma il cappio gridava! // O ho rinunciato a me stesso? " Spiega perché il poeta di fila, separato da virgole, usa espressioni comuni ("Mi addormenterò profondamente", "al villaggio per cibo") - e un vocabolario poetico generale e sublime ("... un pezzo di broccato / / Passa una notte meravigliosa ...")? Sai da dove viene questa immagine nella poesia di Sluchevsky: "gridò un loop! // O ho rinunciato a me stesso?"? In caso contrario, prova a leggere gli ultimi capitoli di tutti e quattro i Vangeli, che raccontano la negazione di Cristo da parte dell'apostolo Pietro. Ora formula come intendi il pensiero del poeta espresso nelle righe finali.

Poesia russa della fine del secolo e parolieri francesi degli anni 1860-1880

Carlo Baudelaire. Paolo Verlaine. Arthur Rimbaud

Come abbiamo già detto, la letteratura russa del primo terzo del XIX secolo era una diligente studentessa di letteratura occidentale. Ha subito raggiunto il suo "mentore", ha studiato con romantici tedeschi e inglesi, poi con naturalisti francesi. E alla fine "raggiunto" il corso generale della cultura mondiale, è diventato un partecipante alla pari del processo culturale.

Ciò non significa che gli scrittori russi abbiano completamente smesso di adottare l'esperienza di altre persone (solo uno sciocco rifiuta lezioni utili); ma questo significa che hanno conquistato l'autonomia interna, hanno imparato a muoversi parallelamente, all'unisono con le loro controparti europee. Pertanto, molto di ciò che è accaduto nella poesia russa della seconda metà del XIX secolo sembra fare rima con ciò che stava accadendo contemporaneamente nella poesia europea, in particolare francese. Qui non stiamo parlando tanto di influenza quanto di somiglianza non casuale. O, come dicono storici e critici letterari, sulla tipologia.

Sai che dopo Nekrasov i migliori poeti lirici russi sono tornati ai motivi romantici della duplicità, del languore dello spirito, che nelle loro opere risuonavano note di disperazione, è apparso uno stato d'animo di declino. Gli stessi motivi si trovano facilmente nella poesia francese degli anni 1860-1880.

L'eccezionale paroliere Charles Baudelaire (1821-1867), di sinistra, ribelle che partecipò direttamente agli eventi rivoluzionari del 1848, pubblicò nel 1857 una raccolta di poesie "Fiori del male". (La raccolta, in fase di aggiornamento, è stata ristampata più volte.) Le poesie raccolte in questo libro non sfidavano solo la morale piccolo-borghese (è universale); l'eroe lirico di Baudelaire ha sperimentato un'estrema, quasi mistica delusione nei fondamenti della civiltà cristiana e ha rivestito i suoi sentimenti estremamente disarmonici in una forma classica perfetta.

Dimmi da dove vieni, bellezza?
Il tuo sguardo è l'azzurro del paradiso o il prodotto dell'inferno?
Tu, come il vino, labbra inebriate aderenti,
Allo stesso modo, sei felice di seminare gioie e intrighi.
Alba e tramonto sbiadito nei tuoi occhi,
Trasmetti l'aroma, come se la sera fosse tempestosa;
Il ragazzo divenne un eroe, il grande cadde in polvere,
Dopo aver bevuto le tue labbra con un'urna incantevole.

Come i suoi romantici predecessori, Baudelaire rompe l'estetica e la moralità, e con aria di sfida, con aria di sfida; esclama, rivolgendosi alla Bella: "Cammini sui cadaveri con un sorriso orgoglioso, / I diamanti dell'orrore trasmettono il loro crudele splendore ..." Questo non lo spaventa; non è la Bellezza autosufficiente che è terribile, ma il mondo in cui viene. E quindi accetta il suo catastrofismo come una terribile via d'uscita dalla disperazione terrena:

Sei Dio o Satana? Sei un angelo o una sirena?
Non è tutto uguale: solo tu, bella regina,
Tu liberi il mondo da una prigionia dolorosa,
Mandi incenso e suoni e colori!
("Inno alla bellezza." Per. Ellis)

L'amoralismo divenne per Baudelaire un principio artistico. Ma se leggi attentamente le sue poesie: luminose, pericolose, molto simili ai fiori di palude, diventerà chiaro: contengono non solo veleno, ma anche un antidoto; quell'orrore, di cui Baudelaire è diventato il cantore, è vissuto dalla sofferenza del poeta, redento dal dolore del mondo, che egli accoglie in sé. Tuttavia, "Flowers of Evil" divenne oggetto di considerazione in una corte parigina; il poeta fu accusato di oltraggio alla moralità pubblica e condannato al "ritiro" di alcune poesie dal libro "Fiori del male". I giudici non erano obbligati ad ascoltare il suono nascosto delle battute, hanno preso la loro decisione in base al significato immediato, quotidiano e non poetico delle parole.

Baudelaire iniziò a essere tradotto in Russia negli anni '70 dell'Ottocento. E i pionieri erano poeti populisti come Vasily Kurochkin e Dmitry Minaev. Il loro stile, un po' rustico, era estremamente lontano dalla poetica di Baudelaire, dal suo complesso gioco metaforico e pathos, risplendente di protuberanze. Come i giudici parigini, hanno prestato attenzione all'esterno, ai temi ribelli di Baudelaire - solo con un segno positivo. E solo i parolieri russi delle generazioni successive sono stati in grado di svelare il mistero di Baudelaire, sentito nelle sue poesie un presagio di immagini tragiche e su larga scala del XX secolo: “Come uno stendardo nero, Tosca la regina // Si svilupperà vittoriosamente la sua fronte cadente” (“Spleen”. Per. Vyach.I. Ivanova).

"Puntualmente" iniziò a tradurre un altro poeta lirico francese, che apparteneva alla generazione successiva a Baudelaire: Paul Verlaine (1844-1896). Qualcosa di familiare sembrava esserci nelle sue tristi poesie, il pensiero dell'inevitabile scissione dell'anima umana, della malinconia della delusione che pervade il mondo, il declino della forza del cuore - tutto questo che abbiamo incontrato con te e Nadson, e Apukhtin, e Sluchevsky:

Gemito autunnale -
lungo squillo,
Suono funebre -
Malato di cuore
Sembra una corda
Irrequieto...
("Canzone d'autunno". Per. N. Minsky)

Ma tutti questi motivi nella poesia di Verlaine hanno un sottotono luccicante e simbolico. Non condivide con il lettore solo la sua "milza", il blues; sente che l'intero universo è "depresso", che le forze creative dell'universo si stanno prosciugando, che sta arrivando un momento di incertezza dolorosa e nervosa, che l'umanità è sull'orlo del nuova era seguito da completa incertezza. E anche questo sottotesto sarà svelato solo dai traduttori dell'inizio del XX secolo.

Ma il meno "fortunato" alla fine del XIX secolo con le traduzioni russe fu Arthur Rimbaud (1854-1891), l'autore dell'ingegnoso poema tragico, catastrofico e maestoso "The Drunken Ship" (1871). Fu in questa poesia che furono identificate per la prima volta tutte le principali "linee di forza" della poesia del XX secolo, i motivi ei conflitti tradizionali dei testi romantici furono trasferiti in un registro fondamentalmente diverso, associato a presagi storici globali, con futuri universali sconvolgimenti:

Coloro che mi hanno controllato sono finiti in un pasticcio:
La loro abilità nel tiro indiano mirata
Che a volte, come me, senza bisogno di vele,
Se ne andò, obbedendo alla corrente del fiume.

Dopo che il silenzio mi ha fatto capire
Che l'equipaggio non esisteva più,
Io, olandese, sotto il carico di sete e granaglie
È stato gettato nell'oceano da raffiche di burrasca.

Con la velocità di un pianeta appena sorto,
Ora tuffandoti sul fondo, poi risalendo sopra l'abisso,
Ho volato sorpassando le penisole
In spirali di uragani mutevoli.
............................................................
Se entro ancora nelle acque d'Europa,
Dopotutto, mi sembrano una semplice pozzanghera, -
Sono una barchetta di carta - sono stonato
Un ragazzo pieno di tristezza, accovacciato.

Intercedi, o onde! A me, in tanti mari
Visitato - me, volando tra le nuvole -
È giusto navigare attraverso le bandiere degli yacht amatoriali
O sotto lo sguardo terribile di prigioni galleggianti?
(Tradotto da D. Brodsky)

Tuttavia, Arthur Rimbaud iniziò a essere tradotto in Russia molto più tardi; divenuto poeta in Francia alla fine del XIX secolo, in Russia si è rivelato un poeta del XX secolo. Ma questo non significa che i poeti lirici russi degli anni Ottanta e Novanta dell'Ottocento non pensassero agli stessi problemi, non si muovessero nella direzione indicata dalla storia.

• Ricorda la poesia di M.Yu. Lermontov "La vela solitaria diventa bianca". Confronta le immagini di questa poesia con le immagini di "The Drunken Ship" di A. Rimbaud. Qual è la somiglianza, qual è la differenza fondamentale?

La poesia di Vladimir Solovyov e l'inizio di una nuova era nei testi russi

E Vladimir Sergeevich Soloviev (1853-1900) divenne un tale poeta, che predisse in gran parte le scoperte artistiche e le idee filosofiche del 20 ° secolo. Dopo essersi laureato alla Facoltà di Storia e Filosofia dell'Università di Mosca e volontario presso l'Accademia Teologica di Mosca, Solovyov ha approfondito lo studio di antichi trattati mistici su Sophia. Cioè, sull'Anima del Mondo, sulla Saggezza di Dio, sulla personificazione dell'Eterna Femminilità. Come molti romantici, Solovyov credeva che questo potere mistico influenzasse direttamente la sua vita, e quindi cercò un misterioso incontro con Sophia.

Nel 1875 Vladimir Sergeevich andò a Londra; il motivo formale era il lavoro nella biblioteca del British Museum, il vero motivo era la ricerca di un incontro con Sophia. Solovyov riempie quaderni di strane scritte, dove tra i segni indecifrabili si trova spesso un nome familiare: Sophie, Sophia. E - improvvisamente lascia Londra attraverso Parigi in Egitto. Aveva una certa "voce" che lo chiamava al Cairo. Come scrive in seguito nella poesia "Tre date": "" Sii in Egitto!" - si udì una voce dentro, / A Parigi - e il vapore mi porta a sud. Questa costruzione puramente solovieviana della frase poetica è caratteristica: non si dice una parola sullo stato intermedio, sui dubbi. La decisione viene presa all'istante. Tale era la natura di Solovyov.

Per lo stesso motivo, era così incline a usare i simboli (a proposito, ricorda la definizione di questo concetto letterario, cerca nel dizionario). Dopotutto, un simbolo non dipende da una realtà mutevole, da un cambiamento dell'angolo di visuale. È sempre criptico nel significato, ma sempre definito nella forma. Quindi, nella poesia di Solovyov del 1875 "Alla mia regina ...", che era appena collegata a un viaggio in Egitto, predominano i colori dell'eternità, i colori eterni: "La mia regina ha un alto palazzo, // Circa sette colonne d'oro, // La mia regina ha una corona a sette facce, // In essa ci sono innumerevoli pietre preziose. // E nel verde giardino della mia regina // La bellezza fiorì di rose e gigli, // E in un'onda trasparente un ruscello d'argento // Cattura un riflesso di riccioli e fronte...".

Il giardino della "regina" è sempre verde, in ogni periodo dell'anno, non appassisce; le rose sono invariabilmente scarlatte, i gigli sono bianchi, il ruscello è argenteo. E più invariati, più "affidabili" questi colori simbolici, più drammatico suona il tema principale del poema. E questo tema è la mutevolezza del cuore del poeta, la mutevolezza del volto del suo Celeste Amato.

In Egitto, Solovyov ha avuto uno shock. Trascorse una gelida notte nel deserto, aspettando l'apparizione di Sophia, come gli fu detto da una voce interiore, ma non avvenne alcun incontro misterioso, il giovane mistico fu quasi picchiato dai nomadi locali. Un altro poeta avrebbe preso tragicamente l'incidente, mentre in Solovyov, al contrario, tutto ciò ha provocato uno scoppio di risate. (Non senza ragione, in una delle sue lezioni, ha definito l'uomo un "animale che ride".) In generale, lui, come il suo paroliere preferito Alexei Tolstoy, scriveva spesso poesie umoristiche.

La risata era per Solovyov una sorta di antidoto all'eccessivo misticismo; ha deliberatamente giocato con l'immagine del suo eroe lirico, l'immagine del Pellegrino, il mistico, lo ha collocato in situazioni comiche. Fino all'epitaffio automatico: "Vladimir Solovyov // Sdraiato in questo posto. // All'inizio era un filosofo, // E ora è diventato uno scheletro ..." (1892).

Ma con la stessa inspiegabile facilità, Solovyov tornò dal ridicolo, dalla delusione, all'intonazione solenne, al fascino mistico. Nella migliore, forse, delle poesie di Solovyov - "Ex oriente lux" (1890), la Russia è severamente invitata a fare una scelta tra la militanza dell'antico re persiano Serse e il sacrificio di Cristo:

Oh Rus! in attesa alta
Sei impegnato con un pensiero orgoglioso;
Cosa vuoi che sia l'Oriente:
Oriente di Serse o Cristo?

Nel 1890, gli occhi azzurri dell'invisibile Sophia brillarono di nuovo chiaramente su Solovyov. Questa volta la luce non è venuta dall'est, non dall'ovest, ma dal nord. Nell'inverno del 1894, partito per lavorare in Finlandia, Solovyov sentì inaspettatamente la presenza segreta di Sophia in ogni cosa: nelle rocce finlandesi, nei pini, nel lago ... Ma fu allora che fece una conclusione per se stesso sulla terribile vicinanza di una catastrofe globale, sull'apparizione dell'Anticristo. Un mucchio delle sue tristi osservazioni storiche era il poema "Pan-mongolismo":

Pan-mongolismo! Anche se la parola è selvaggia
Ma mi accarezza le orecchie,
Come se fosse un presagio di un grande
Il destino di Dio è pieno.

...Gli strumenti del castigo di Dio
Lo stock non è stato ancora esaurito.
Preparare nuovi beat
Uno sciame di tribù risvegliate.

Il pan-mongolismo - nella comprensione di Solovyov - è l'unificazione dei popoli asiatici per amore dell'inimicizia con la "razza" europea; Vladimir Sergeevich era convinto che nel 20 ° secolo i rappresentanti militanti uniti della "razza gialla" sarebbero diventati la principale forza storica: "Dalle acque malesi ad Altai // Leader delle isole orientali // Alle mura della Cina cadente // Riuniti l'oscurità dei loro reggimenti."

Questi motivi saranno sviluppati nel loro lavoro dai più vicini eredi letterari di Solovyov, poeti della prossima generazione che si chiameranno simbolisti russi - conoscerai anche il loro lavoro nella prossima, 11a elementare.

• Quali mentalità sono inerenti ai poeti russi della fine del XIX secolo? Qual è la loro somiglianza con i romantici dell'inizio del secolo?

1. Blocco A.A. Il destino di Apollon Grigoriev // He. Sobr. cit.: In 8 voll. M.-L., 1962.
2. Gippius V.V. Da Pushkin a Blok. M., 1966.
3. Grigoriev A.A. Ricordi. M., 1980.
4. Egorov B.F. Apollo Grigoriev. M., 2000 (serie "Life of Remarkable People").
5. Korovin V.I. Cuore nobile e voce pura del poeta // Pleshcheev A.N. Poesie. Prosa. M., 1988.
6. Nolman ML Carlo Baudelaire. Destino. Estetica. Stile. M., 1979.
7. Novikov Vl. Mondo dell'arte Prutkov // Opere di Kozma Prutkov. M., 1986.
8. Fedorov A.V. Creatività poetica di K.K. Sluchevsky // Sluchevsky K.K. Poesie e poesie. M.-L., 1962.
9. Yampolsky I.G. Metà del secolo: Saggi sulla poesia russa 1840-1870. L., 1974.